Muchos de vosotros puede que ya sepáis qué es el concept art y dominéis este concepto dentro del mundo de la ilustración, o puede que no tengas ni idea de qué consiste o qué técnicas son las que se utilizan. ¡No te preocupes! Sea cual sea tu situación, en este post nos hemos propuesto enseñarte cuál es la labor de un concept Artist y algunas de las técnicas más importantes que no puedes dejar en el olvido si quieres adentrarte en este sector tan puntero dentro del Sector Digital. ¡Empezamos!
¿Qué es el Concept Art?
¿Por qué no empezar con la traducción tal cual de este concepto para comprender un poco mejor qué es? En castellano, literalmente, se traduce este concepto como arte conceptual. Pero… ¿qué es concept art o arte conceptual? Es una disciplina dentro de la ilustración que se basa en los dibujos y las ilustraciones para bajar un concepto a tierra y que tome forma. Dicho de manera más sencilla, es pasar una idea a imágenes, para que esta sea más fácil de entender y se pueda empezar a desarrollar.
Ilustración desarrollada por Sara Gregorio Jordan en el Máster Online en Arte Digital y Concept Art.
Esta disciplina se utiliza en muchos campos como los videojuegos, el cine o la animación, y en ella se desarrollan personajes, entornos, complementos como ropa o armas, y mucho más. Lo que se pretende con esta disciplina es que el Concept Artist sea productivo, y que a partir de unas cuantas palabras pueda desarrollar todo tipo de imágenes más o menos elaboradas con las que poder arrancar una idea artística. En resumen, este perfil resulta indispensable y cada vez hay más sectores que lo implantan dentro de sus procesos creativos.
Técnicas del Concept Art
Ahora que ya tenemos una base sobre qué es el concept art… vamos con alguna técnica y concepto que te pueden ayudar mucho a dar tus primeros pasitos dentro de esta disciplina. En este post nos vamos a centrar en el desarrollo de entornos o “environment”, que suele ser una de las prácticas más recurrentes.
En primer lugar y antes de empezar, debemos tener claro la herramienta con la que debemos trabajar. Podemos encontrar muchas opciones, pero sin ninguna duda, te recomendamos que utilices Photoshop, aunque puedes utilizar la herramienta con la que más cómodo te sientas trabajando.
Regla de los tercios
Una de las reglas o técnicas de oro es la «Regla de los tercios». Cuando ilustramos ambientes, es muy recomendable utilizar esta técnica para que lo verdaderamente importante del dibujo esté bien situado y resalte frente al resto de elementos.
Ilustración desarrollada por Irina Sánchez Chulio en el Máster Online en Diseño y Animación 2D con Toon Boom
Hace poco en uno de nuestros post que trataba sobre cómo hacer buenas fotografías, te explicábamos esta buena práctica. La regla de los tercios es una técnica que viene de la fotografía y que se centra en dividir nuestro lienzo con cuatro líneas, dos verticales y dos horizontales, las cuales nos van a desvelar cuatro puntos (donde se cruzan estas líneas) muy importantes, donde colocar elementos que queramos resaltar, ya sea un personaje, una acción o un objeto determinado.
Perspectiva cromática y escala de grises
Existe un concepto que se llama Perspectiva cromática, y que se define por el empleo del color a la hora de otorgar profundidad a una escena. Por ejemplo, los tonos más cálidos o más saturados como los naranjas o los rojos tienen un peso visual mayor, por lo que tienden a estar en primeros planos, mientras que los colores más fríos o menos saturados tienden a tener menos importancia y se posicionan en el fondo de los ambientes. Lo mismo pasa cuando empezamos a dibujar las primeras ilustraciones de un concepto en escala de grises.
Vamos a explicarlo con un ejemplo para que sea más sencillo de entender: imagina que debemos ilustrar varios ambientes para decantarnos por uno. El primer paso que tenemos que hacer es elegir tres tonalidades de gris: un todo claro, un tono medio y un tono más oscuro. Los tonos más claros, es decir, menos saturados debemos emplearlos en nuestro fondo o los elementos más alejados. Los tonos medios serán para planos más cercanos y el tono más oscuro (o más saturado) ocupará el lugar de los primeros planos.
¿Por qué debemos seguir esta técnica de color para dar realismo a nuestros entornos?
Porque esto es un fenómeno que ocurre en la realidad. Cuando miramos al horizonte en un paisaje, los elementos más lejanos están más desenfocados y tendemos a verlos en tonalidades más blanquecinas o azuladas, ya que la densidad del aire y los elementos atmosféricos inciden en este paisaje y hace que notemos esta lejanía y esa perspectiva. Es lo que también llamamos Perspectiva atmosférica (te dejamos el post donde explicamos este concepto para el ámbito de la ilustración).
Ilustración desarrollada por Beatriz Sayans Cobos en en el Máster Profesional en Arte Digital y Concept Art
Una vez tengamos estos tres planos bien identificados con los tonos de gris, podemos comenzar a desarrollar un poco más esos dibujos con luces, detalles, contrastes, sombras. Y por último, podremos pasar al color. Tonos más fríos o menos saturados para las partes más alejadas, y tonos más cálidos o saturados para las zonas más próximas. Poco a poco veremos cómo nuestro environment va tomando forma con muy pocos recursos y en muy poco tiempo. Esto resulta algo esencial en el día a día de un Concept Artist, la rapidez y la fluidez en su trabajo.
Y así es como con dos conceptos básicos, pero muy importantes dentro de la ilustración y del Concept Art, podemos empezar a desarrollar nuestros primeros proyectos. Pero, existen muchas más técnicas y conceptos profesionales con los que puedes ir mejorando y desarrollando todas tus habilidades dentro del sector. Si quieres dar el paso y empezar desde cero en el mundo del Arte Conceptual, ¿por qué no empezar con una de nuestras formaciones en ilustración? ¡Da el paso al Concept Art más avanzado!